Reflexión
A propósito de la creación
Que el pintor hable de su obra no tiene ningún valor. Si ésta no es capaz de hablar por sí misma, cualquier intervención de su hacedor tratando de aclararla es baladí.
Me explicaré.
En el proceso completo de la creación plástica —también sucede en la literaria o en la musical—, que va desde la ejecución de la obra, en el silencio del estudio del pintor, hasta su contemplación por parte del usuario en un espacio expositivo, encontramos, a mi juicio, tres instancias: la del creador, la de la obra y la del espectador.
El pintor, en el mejor de los casos, puede dar noticia de aquello que pretendió hacer de manera consciente y premeditada, lo que no quiere decir que lo consiguiera, o en el caso de ser así, que el espectador lo perciba.
En ese momento del proceso —la ejecución de la obra—, aparecerán, a pesar de las intención de su hacedor, elementos que el pintor plasmará sin conciencia ni intención, y que pasarán a formar parte del resultado de su trabajo, sea cuál fuese el fin del mismo. Es lo que llamaríamos las intenciones de la obra.
Y por último, encontramos las intenciones del espectador o usuario de arte que contempla los cuadros.
Si no se diera este momento, si los cuadros permaneciesen mudos en el estudio del pintor, podríamos decir que el proceso no se ha completado, de igual modo que si un libro no es leído por nadie y permanece cerrado sin que ningún lector desentrañe la peripecia que contiene.
Así, sucederá que cada espectador contemplará las obras con un determinado bagaje plástico —el suyo personal—, de tal modo que su visión será única y singular, y la conclusión que establezca de esa experiencia estética puede decirse que es intransferible. Podrá compartirla con otro usuario, incluso encontrará espacios afines con la del otro, pero será la impronta que le ha provocado la visión de esos cuadros con la que quede. Habrá o no emoción en ella, pero ninguna palabra del pintor podrá modificar esa íntima experiencia.
Y no hay un manual que muestre o explique el itinerario de esta singular alquimia
que es la contemplación de una obra plástica, y la respuesta emocional que en cada persona se produce.
Antonio Ventura
Acerca De la obra / marzo 1985
Pues bien, la gran virtud de la obra de Antonio Ventura es que no hay lugar para la confusión. El artista se ha limitado y ese es su gran hallazgo, a crear el espacio de la visión. Un espacio ordenado en su más leve planteamiento de la función esencial: darle unos parámetros a la contemplación. Aquí el artista ha llegado al límite: casi da vértigo asomarse a su pintura.
Antonio Ventura asume la iniciativa de poner sobre la tela con rigor sí, y con precisión, la insinuación estricta de cuanto le fue inspitado. Como el místico que en su arrebato no encuentra palabras para expresarlo y sólo acierta el que nos dejó la mínima palabra exacta.
New Collection
SIERRA DE GUADARRAMA
La Sierra de Guadarrama es una formación montañosa perteneciente a la mitad este del Sistema Central, situada entre las sierras de Gredos y de Ayllón y extendiéndose entre la Comunidad de Madrid y las provincias de Segovia y Ávila separando las cuencas de los ríos Duero y Tajo.
Mide aproximadamente 80 kms, y tiene una anchura de unos 20 kms. Su pico más alto es el Peñalara con 2428 m. de altitud.
Otras cumbres de la sierra son La Maliciosa, Abantos, El Yelmo y Siete Picos.
Recibe su nombre del río Guadarrama, que nace en ella.
El nombre procede de la locución latina Aquae dirrama, arabizado en
Uad -ar -rámel, río arenoso.
De todas las vistas posibles de esta Sierra, la más hermosa, desde mi punto de vista, es la que se contempla desde Segovia y cuyo perfil es el que reproduce esta fotografía, que he utilizado para la realización de esta obra compuesta por ocho cuadros apaisados de 50×40 cms; un políptico que ofrece una continuidad espacial de todo el perfil de la Sierra.
En sentido esctricto, este políptico, formado por ocho cuadros pertenece a la Serie Esos Cielos.
Están realizados con una técnica mixta (acrílico, pigmento de agua y acetato de polivinilo), sobre cartón gris crudo de dos milímetros de grosor.
El pigmento que se consigue con la mezcla de los tres componentes citados, es hidrosoluble y de una enorme ductilidad, lo que permite aplicarlo directamente, formando así una materia compacta, o bien disolverlo en agua llegando casi a alcanzar la transparencia de la acuarela.
La presente obra suponía un reto pues requería que los ocho cuadros ofrecieran una continuidad espacial en términos de forma y color, de tal modo que en su lectura horizontal de izquierda a derecha se mantuviera estable la mirada del espectador, y le permitiera adentrarse en este paisaje montañoso.
A.V.
Sierra de Guadarrama 1
– 2024 / SIERRA DE GUADARRAMA
Sierra de Guadarrama 2
– 2024 / SIERRA DE GUADARRAMA
Sierra de Guadarrama 3
– 2024/ SIERRA DE GUADARRAMA
Sierra de Guadarrama 4
– 2024 / SIERRA DE GUADARRAMA
Sierra de Guadarrama 5
– 2024 / SIERRA DE GUADARRAMA
Sierra de Guadarrama 6
– 2024 / SIERRA DE GUADARRAMA
Sierra de Guadarrama 7
– 2024 / SIERRA DE GUADARRAMA
Sierra de Guadarrama 8
– 2024 / SIERRA DE GUADARRAMA
DECLARACIÓN DE ARTISTA
Artist Statement
Toda obra verdadera nace de lo que Kandinski llamaba la necesidad interior.
Así como la materia prima de la literatura son las palabras, la memoria y la imaginación; la de la pintura son las formas, los colores y la materia.
Desde que inicié mi trabajo plástico, he sentido, fuesen cuáles fuesen los parámetros en lo que me moví, que mis cuadros nacían y nacen de esa necesidad interior.
Una necesidad que nos conduce al hallazgo, pues en sentido estricto es lo que acontece en la práctica de la pintura. El creador no busca, encuentra. Como mucho, en su indagación, sabe lo que no es, lo que es, se le aparece en ese proceso ineludible del acto creativo.
Antes, fueron los paisajes esquemáticos; luego, el micromundo mineral de las piedras y rocas, más tarde la búsqueda de la armonía del plano sin color, ahora, desde hace dos años, la indagación en las estructuras básicas y modulares utilizando para ello las tabletas báricas que la pedagoga italiana María Montesori creó para su sistema pedagógico.
Siempre sobre cartón gris crudo y en formato cuadrado dos son las investigaciones que en el presente realizo.
Una de ellas sobre las sensaciones que me producen las piezas para piano de la compositora coreana HyeRyun Jung. La otra son homenajes a pintores contemporáneos.
